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# Marc Quinn
Pour les articles homonymes, voir Quinn.
Marc Quinn, né le 8 janvier 1964 à Londres (Royaume-Uni), est un artiste plasticien contemporain britannique dont le travail inclut la sculpture, l'installation et la peinture.
Quinn explore « ce qu'est l'être humain dans le monde d'aujourd'hui » à travers des sujets tels que le corps, la génétique, l'identité, l'environnement et les médias. Il utilise dans son travail des matériaux très divers comme du sang, du pain et des fleurs ainsi que le marbre et l'acier inoxydable. Quinn a fait l'objet d'expositions personnelles au musée Sir John Soane, à la Tate, à la National Portrait Gallery, à la fondation Beyeler, à la Fondazione Prada et à la South London Gallery.
L'artiste a été un membre notable du mouvement des jeunes artistes britanniques (Young British Artists), avec notamment Sarah Lucas et Damien Hirst.
Quinn est une célébrité internationale qui a été commissionné pour la première édition du quatrième socle de Trafalgar Square en 2004, pour laquelle il a exposé Alison Lapper Pregnant.
Quinn est principalement connu pour Self (1991-présent), une série d'auto-portraits congelés réalisés avec son propre sang, et qui a fait l'objet d'une rétrospective à la fondation Beyeler en 2009.
Quinn vit et travaille à Londres.

## Biographie
Quinn naît à Londres en 1964 d'une mère française et d'un père britannique. Il passe ses premières années à Paris, où son père est un physicien travaillant au BIPM (Bureau international des poids et mesures). Quinn se souvient d'une fascination précoce pour les instruments scientifiques du laboratoire de son père, notamment les horloges atomiques. Il a étudié l'histoire et l'histoire de l'art au Robinson College de Cambridge.
Au début des années 1990, Quinn est le premier artiste à être représenté par le galeriste Jay Jopling. L'artiste a tenu sa première exposition avec Jopling en 1991, exposant Self (1991), un autoportrait glacé composé de neuf pintes de son sang. En 1993, Jay Jopling fonde White Cube au 44 Duke Street, à Londres. En plus de Quinn, White Cube expose Lucian Freud, Gilbert et George, Antony Gormley, Mona Hatoum, Damien Hirst, Gary Hume, Runa Islam, Jake et Dinos Chapman, Tracey Emin, Harland Miller, Sam Taylor-Wood, Gavin Turk et Cerith Wyn Evans.
Au cours des années 1990, Quinn et plusieurs de ses pairs ont été identifiés pour leur approche radicale de la création et de l'expérience de l'art. En 1992, l'écrivain Michael Corris dans Artforum dénomme le groupe les « Young British Artists » (jeunes artistes britanniques). Ce groupe comprenait notamment Cornelia Parker, Sarah Lucas, Damien Hirst, Rachel Whiteread et Tracey Emin.
En 1995, Quinn a eu une exposition personnelle à la Tate Britain, où de nouvelles sculptures ont été présentées dans le cadre de la série Art Now. En 1997, le travail de Quinn, Self (1991), a été exposé à la Royal Academy de Londres pour l'exposition Sensation. Quinn's Self, ainsi que des œuvres de Sarah Lucas et Damien Hirst, se distinguaient déjà parmi le public britannique. L'exposition a attiré l'attention des médias et a attiré un nombre record de visiteurs pour une exposition d'art contemporain. L'exposition s'est ensuite tenue à la Hamburger Bahnhof de Berlin et au Brooklyn Museum de New York.
L'artiste a été invité à présenter une exposition personnelle à la Fondazione Prada de Milan, en 2000, où il a présenté une nouvelle et ambitieuse œuvre Garden. En 2002, il a eu une exposition personnelle à la Tate Liverpool qui comprenait de nouvelles œuvres et de nouvelles photographies. En 2001, la National Portrait Gallery a offert à Quinn une exposition personnelle pour son portrait génomique de Sir John Sulston.
En 2004, Quinn a reçu la toute première commande pour le Fourth Plinth à Trafalgar Square à Londres, pour laquelle il a réalisé une sculpture en marbre d'Alison Lapper, une artiste enceinte handicapée.
En 2006, le Museo di arte contemporanea di Roma (MACRO) a présenté les œuvres de Marc Quinn dans une exposition solo consacrée à sa récente sculpture figurative. En 2009, la Fondation Beyeler a présenté une exposition solo de la série toujours en cours (en 2019) Self de Marc Quinn , comprenant toutes les sculptures de 1991 à 2006.
En 2012, Quinn a été chargé de produire une œuvre monumentale pour la cérémonie d'ouverture des Jeux paralympiques aux Jeux olympiques de Londres 2012, pour laquelle il a réalisé Breath, une sculpture monumentale d'Alison Lapper gonflée par des pompes à air.
En 2013, Quinn présente une exposition personnelle à l'occasion de la 55e Biennale de l'art de Venise à la Fondazione Giorgio Cini de Venise, organisée par Germano Celant
La première monographie de Quinn, Memory Box, de Germano Celant a été publiée en 2013. Un documentaire long métrage sur la vie et l'œuvre de Quinn, Making Waves, a été publié en 2014, produit et réalisé par Gerry Fox. La Somerset House de Londres a présenté une exposition personnelle de Quinn en 2015, consacrée aux sculptures récentes.
En 2017, Marc Quinn organisé une grande exposition au Sir John Soane's Museum à Londres. L'exposition était la première d'une nouvelle série de collaborations avec des artistes, des designers et des architectes contemporains, qui, inspirés par l'esprit de Sir John Soane, cherchaient à donner vie à la collection de manière innovante.

## Œuvre
Les premiers travaux de Quinn concernaient les questions de corporalité, de dégradation et de préservation. Il a expérimenté des matériaux organiques et dégradables, notamment du pain, du sang, du plomb, des fleurs et des sculptures et installations produisant de l'ADN, notamment Bread Sculptures (1988), Self (1991), Emotional Detox (1995), Garden (2000) et DNA DNA of John. Sulston (2001). Dans les années 2000, il a commencé à s'intéresser à l'utilisation du marbre, du bronze et du béton. L'artiste a exploré le corps et ses extrêmes à travers le prisme de matériaux classiques et urbains ; Les œuvres comprenaient The Complete Marbles (1999 - 2005), Alison Lapper Pregnan (2004), Evolution (2005 - 2009) et Planet (2008). Depuis 2010, il travaille avec les métaux, y compris l'acier inoxydable, l'aluminium, les graffitis, les détritus de bord de mer, les tapisseries et les peintures, comme le montrent The History Paintings (2009 – présent) et The Toxic Sublime (2014 – présent).

## Premières œuvres: 1991 - 2000

### Self, 1991 - présent
La première œuvre de Marc Quinn à acquérir une renommée internationale est Self, qui a été exposée en 1991, à l'âge de 27 ans. Self (1991) est un autoportrait formé par une coulée congelée de dix pintes du sang de l'artiste. C'est un work in progress ou travail toujours en cours (en 2019), où l'artiste se présente tous les cinq ans à travers une nouvelle distribution avec du sang neuf. Les œuvres d'art sont placées dans des boîtes congélateurs. Cela met en évidence la nature des travaux qui est la dépendance.
Self (2006) appartient à la National Portrait Gallery, Londres.

### Emotional Detox, 1995
En 1995, Quinn cesse de boire. Emotional Detox, une série de sept sculptures en plomb et moulées à partir du corps de l'artiste sont créées à cette époque. Inspiré par l'iconographie traditionnelle des sept péchés capitaux, le corps de Quinn est déchiré et reconfiguré dans chaque sculpture, reflétant la désintoxication comme une bataille physique et psychologique.
Emotional Detox est exposé à la Tate Britain à Londres en 1995, au Groninger Museum aux Pays-Bas en 2000, et au Stedelijk Museum à Amsterdam en 2015.

### Jardin(2000)
En 2000, à la Fondazione Prada, à Milan, il présente une exposition personnelle consacrée à ses œuvres les plus ambitieuses, portant sur la matière organique. Garden est une sculpture de 12 mètres de long et de trois mètres de haut dans laquelle des milliers de fleurs sont gelées dans du silicium (appartenant maintenant à la collection de la Fondazione Prada). Les fleurs de la sculpture ne peuvent jamais fleurir à la même époque de l'année ou dans les mêmes parties du monde.

## Travaux notables: 2000 - 2010

### Portrait de John E. Sulston(2001)
Son portrait de John E. Sulston, lauréat du prix Nobel en 2002 pour le séquençage du génome humain dans le cadre du projet du génome humain trouve dans la National Portrait Gallery. Il s'agit d'une bactérie contenant l'ADN de Sulston en gelée d'agar. « Le portrait a été réalisé selon nos méthodes standard de clonage d'ADN », écrit Sulston. « Mon ADN a été divisé au hasard en segments et traité de manière à pouvoir être répliqué dans une bactérie. Les bactéries contenant les segments d'ADN ont été réparties sur de la gelée d'agar dans la plaque que vous voyez dans le portrait. »

### Alison Lapper, Le quatrième socle(2005-2007)
Quinn a réalisé une série de sculptures en marbre représentant des personnes nées avec des membres disparus ou amputées. Cela a culminé dans sa statue en marbre de 15 tonnes représentant Alison Lapper, une artiste née sans bras et avec des jambes très courtes, qui a été exposée sur le quatrième socle de Trafalgar Square, à Londres, de septembre 2005 à octobre 2007. Le socle est utilisé pour des expositions rotatives de sculptures.) Dans Disability Studies Quarterly, Ann Millett écrit : « Le travail a été vivement critiqué pour avoir capitalisé la valeur choquante de l'invalidité, ainsi que pour ses valeurs sociales progressives. Alison Lapper Pregnant et la controverse qui l'entoure met en avant les questions relatives au handicap à la pointe des débats actuels dans l'art contemporain ».
Une grande reproduction de la sculpture a été utilisée comme élément central de la cérémonie d'ouverture des Jeux paralympiques d'été de 2012,.

### Sirène(2008)
Depuis 2006, Marc Quinn a réalisé de nombreuses études sur le mannequin Kate Moss. En avril 2006, Sphinx, une sculpture de Kate Moss de Quinn a été dévoilée. La sculpture montre Moss dans une position de yoga avec ses chevilles et ses bras derrière ses oreilles. Cette œuvre a abouti à une exposition à la Galerie Mary Boone à New York en mai 2007. La sculpture est exposée en permanence à Folketeatret à Oslo, en Norvège.
En août 2008, Quinn a dévoilé une autre sculpture de Kate Moss en or massif 18 carats, intitulée Siren, exposée au British Museum de Londres. La sculpture grandeur nature a été présentée comme « la plus grande statue en or depuis l'Égypte ancienne ».

## Travaux notables: 2010 - présent
En mai 2010, Quinn a dévoilé une série de nouvelles sculptures à la galerie White Cube de Londres, notamment The Ecstatic Autogenesis de Pamela, basée sur l'actrice Pamela Anderson et Chelsea Charms, basée sur le modèle pornographique Chelsea Charms.
Les nouveaux modèles de Quinn incluent « Catman » Dennis Avner (qui a été tatoué pour ressembler à un chat) et des personnes trans telles que Thomas Beatie, Buck Angel et Allanah Starr. La sculpture Buck and Allanah représente les deux personnalités nues, la main dans la main, dans une pose rappelant celle d'Adam et Eve. La sculpture de Thomas Beatie le représente pendant une grossesse à terme, inclinant la tête et berçant son abdomen à deux mains.
L'exposition comprenait également une nouvelle série de peintures de fleurs exécutées en couleurs inversées et deux grandes sculptures d'orchidées en bronze peint en blanc, installées à Hoxton Square, en face de la galerie.

### The Toxic Sublime(2015)
En 2015, Marc Quinn inaugure une exposition sur son nouveau travail à White Cube Bermondsey, intitulée The Toxic Sublime. Il présente de nouveaux travaux explorant l'impact écologique de l'homme sur la nature. Les Toxic Sublimes sont des paysages marins tridimensionnels déformés. À côté de ces peintures, une nouvelle série de sculptures en acier inoxydable, dont une de 7,5 mètres de long, fait partie d'un ensemble intitulé Frozen Waves. Les sculptures proviennent du cœur des coquillages, érodées par l'action infinie des vagues.

### All About Love(2016-2017)
En 2017, une exposition solo est présentée à Quinn au musée Sir John Soane à Londres. La série All About Love est une exposition de douze sculptures, représentant la sculpture de l'amour à travers l'expression de sculptures fragmentées classiques. Créées en collaboration avec son partenaire d'alors, les sculptures représentant les deux personnes s'embrassant sont des œuvres faisant écho à des sculptures de nombreuses périodes, de la Renaissance à Auguste Rodin.

### A Surge of Power (Jen Reid) 2020(2020)
Lors des protestations consécutives à la mort de George Floyd, la statue du marchand d'esclaves Edward Colston est renversée et jetée dans un canal à Bristol (Angleterre, Royaume-Uni) par des manifestants antiracistes, le 7 juin 2020. Après cela, une manifestante, Jen Reid, est prise en photo sur le socle, le poing levé. La statue sera ensuite repêchée mais pas réinstallée. Le 15 juillet suivant, Marc Quinn installe, sans l'autorisation de la ville, A Surge of Power (Jen Reid) 2020 (en) sur le socle laissé vide, souvent simplement désignée comme A Surge of Power (« Une montée en puissance »). Il s'agit d'une sculpture en acier noir représentant Reid dans la pose de la photo. « Jen avait déjà créé la statue lorsqu'elle s'est tenue sur le socle et a levé son bras en l'air. Nous l'avons cristallisée », a expliqué Quinn. L’œuvre est retirée par le conseil municipal le lendemain — après que Reid ait pu venir l'admirer — et transférée dans un musée.

## Collections
Quinn est représenté dans plusieurs musées à travers le monde, dont la Tate Modern et la National Portrait Gallery à Londres, le Musée national d'Art moderne à Paris, le Stedelijk Museum à Amsterdam, le Musée d'Art contemporain Astrup-Fearnley à Oslo, le Berardo Collection Museum à Lisbonne, le Musée d'art contemporain de Montréal et, à New York, le Musée d'art moderne et le  Metropolitan Museum of Art,.

## Ventes aux enchères caritatives
Marc Quinn a participé à de nombreuses ventes aux enchères caritatives depuis 2010. Une de ses photographies a été offerte à Crisis, une organisation caritative britannique œuvrant pour les sans-abri, en collaboration avec Vogue, et vendue aux enchères chez Christie's en 2010. En 2013, Quinn a fait don de son œuvre We Share Our Chemistry with the Stars XX200 à la Mimi Foundation qui a organisé une vente aux enchères caritative chez Sotheby's pour soutenir sa lutte contre le cancer. Quinn a fait don de The Eye of History pour la vente aux enchères caritative organisée pour Peace One Day (en) chez Bonhams par Jake Chapman, en 2014 et 2015.

## Crédit d'auteurs
- (en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Marc Quinn » (voir la liste des auteurs).

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'''Marc Quinn''', né le {{date de naissance|8|janvier|1964|en arts plastiques}} à [[Londres]] ([[Royaume-Uni]]), est un [[artiste]] [[plasticien]] [[contemporain]] [[Royaume-Uni|britannique]] dont le travail inclut la sculpture, l'installation et la peinture.

Quinn explore {{  citation |ce qu'est l'être humain dans le monde d'aujourd'hui}} à travers des sujets tels que le corps, la génétique, l'identité, l'environnement et les médias. Il utilise dans son travail des matériaux très divers comme du sang, du pain et des fleurs ainsi que le marbre et l'acier inoxydable. Quinn a fait l'objet d'expositions personnelles au [[Sir John Soane's Museum|musée Sir John Soane]], à la [[Tate (musées)|Tate]], à la [[National Portrait Gallery (Royaume-Uni)|National Portrait Gallery]], à la [[fondation Beyeler]], à la [[Fondation Prada|Fondazione Prada]] et à la [[South London Gallery]].

L'artiste a été un membre notable du mouvement des [[Young British Artists|jeunes artistes britanniques]] (''Young British Artists''), avec notamment [[Sarah Lucas]] et [[Damien Hirst]].

Quinn est une célébrité internationale qui a été commissionné pour la première édition du [[Quatrième socle de Trafalgar Square|quatrième socle]] de [[Trafalgar Square]] en 2004, pour laquelle il a exposé ''Alison Lapper Pregnant''<ref>{{Lien web |titre=Two sculptures take fourth plinth |url=http://news.bbc.co.uk/1/hi/england/london/3511968.stm |série=BBC |date= }}.</ref>.

Quinn est principalement connu pour ''Self'' (1991-présent), une série d'auto-portraits congelés réalisés avec son propre sang, et qui a fait l'objet d'une rétrospective à la [[fondation Beyeler]] en 2009<ref>{{Lien web |titre=08. Jun 2009 – 19. JUL 2009, Marc Quinn, «Selfs» 1991–2006 |url=https://www.fondationbeyeler.ch/en/whats-on/calendar-detail-en/eventdetail/marc-quinn |série=Fondation Beyeler |date= }}<!-- {{Lien brisé|date=décembre 2018}}  -->.</ref>.

Quinn vit et travaille à Londres.

== Biographie ==
[[Fichier :"Planet"_by_Marc_Quinn.jpg|vignette|''Planet'' de Marc Quinn, à Singapour.]]
Quinn naît à [[Londres]] en 1964 d'une mère française et d'un père britannique<ref>{{article|url=https://www.nytimes.com/2015/08/14/arts/marc-quinn-evolving-as-an-artist-and-social-chronicler.html?_r=0 | titre = Marc Quinn: Evolving as an Artist and Social Chronicler |nom=Saphora |prénom=Smith |date=13 août 2015 |périodique=[[The New York Times]]|langue=en}}.</ref>. Il passe ses premières années à Paris, où son père est un physicien travaillant au BIPM ([[Bureau international des poids et mesures]]). Quinn se souvient d'une fascination précoce pour les instruments scientifiques du laboratoire de son père, notamment les horloges atomiques<ref>{{article|url=http://www.artnews.com/2014/05/12/marc-quinn-as-middle-aged-young-british-artist/ | titre = Young British Artist Hits Middle Age: Catching up with Marc Quinn |nom=Elizabeth |prénom=Fullerton |date=5 décembre 2014 |périodique=ARTNews}}.</ref>. Il a étudié l'[[histoire]] et l'histoire de l'art au [[Robinson College]] de Cambridge<ref>{{Lien web |titre=Marc Quinn (1964-) |url=http://visualarts.britishcouncil.org/collection/artists/quinn-marc-1964 |série=British Council |date= }}.</ref>.

Au début des années 1990, Quinn est le premier artiste à être représenté par le galeriste [[Jay Jopling]]. L'artiste a tenu sa première exposition avec Jopling en 1991, exposant ''Self'' (1991), un autoportrait glacé composé de neuf pintes de son sang<ref name="tate">{{Lien web |titre=Marc Quinn, born 1964 |url=http://www.tate.org.uk/art/artists/marc-quinn-2600 |série=Tate |date= }}.</ref>. En 1993, Jay Jopling fonde [[White Cube]] au 44 Duke Street, à Londres. En plus de Quinn, White Cube expose [[Lucian Freud]], [[Gilbert et George]], [[Antony Gormley]], [[Mona Hatoum]], [[Damien Hirst]], [[Gary Hume]], [[Runa Islam]], [[Jake et Dinos Chapman]], [[Tracey Emin]], [[Harland Miller]], [[Sam Taylor-Johnson|Sam Taylor-Wood]], [[Gavin Turk]] et [[Cerith Wyn Evans]]<ref>{{Lien web |titre=Exhibitions | url = http://whitecube.com/exhibitions/year/1993/ |série=White Cube |date= }}.</ref>.

Au cours des années 1990, Quinn et plusieurs de ses pairs ont été identifiés pour leur approche radicale de la création et de l'expérience de l'art. En 1992, l'écrivain [[Michael Corris]] dans ''[[Artforum]]'' dénomme le groupe les « [[Young British Artists]] » (jeunes artistes britanniques). Ce groupe comprenait notamment [[Cornelia Parker]], [[Sarah Lucas]], [[Damien Hirst]], [[Rachel Whiteread]] et [[Tracey Emin]]<ref>{{Lien web |titre=Young British Artists (YBAS) |url=http://www.tate.org.uk/art/art-terms/y/young-british-artists-ybas |série=Tate |date= }}.</ref>.

En 1995, Quinn a eu une exposition personnelle à la [[Tate Britain]], où de nouvelles sculptures ont été présentées dans le cadre de la série Art Now<ref name="tate" />. En 1997, le travail de Quinn, ''Self'' (1991), a été exposé à la [[Royal Academy|Royal Academy de Londres]] pour l'exposition ''[[Sensation (exposition)|Sensation]]''. Quinn's ''Self'', ainsi que des œuvres de [[Sarah Lucas]] et [[Damien Hirst]], se distinguaient déjà parmi le public britannique. L'exposition a attiré l'attention des médias et a attiré un nombre record de visiteurs pour une exposition d'art contemporain<ref>{{article|url=https://www.theguardian.com/artanddesign/2008/dec/14/saatchi-revolution-continues-china-art  | titre = Record crowds for China art show |nom=Vanessa |prénom=Thorpe |date=14 décembre 2008 |périodique=[[The Guardian]]|langue=en}} .</ref>. L'exposition s'est ensuite tenue à la [[Gare de Hambourg (Berlin)|Hamburger Bahnhof]] de Berlin et au [[Brooklyn Museum]] de New York<ref>{{Lien web | titre=Sensation |url=http://www.damienhirst.com/exhibitions/group/1997/sensation |série=Damien Hirst official|date= }}.</ref>.

L'artiste a été invité à présenter une exposition personnelle à la [[Fondation Prada|Fondazione Prada]] de [[Milan]], en 2000, où il a présenté une nouvelle et ambitieuse œuvre ''Garden''<ref>{{Lien web |titre=Milan, Marc Quinn, 5 May - 10 June 2000 |url=http://www.fondazioneprada.org/project/marc-quinn/?lang=en |série=Fondazione Prada|date= }}.</ref>. En 2002, il a eu une exposition personnelle à la [[Tate Liverpool]] qui comprenait de nouvelles œuvres et de nouvelles photographies<ref>{{Lien web|langue=en|titre=Tate Liverpool, Exhibition: Marc Quinn, 1 February - 28 April 2002 |url=https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/marc-quinn |éditeur=[[Tate Modern]]}}.</ref>. En 2001, la [[National Portrait Gallery (Royaume-Uni)|National Portrait Gallery]] a offert à Quinn une exposition personnelle pour son portrait génomique de [[John Sulston|Sir John Sulston]]<ref>{{Lien web|langue=en|titre=Sir John Edward Sulston by Marc Quinn |url=https://www.npg.org.uk/collections/search/portrait/mw57555/Sir-John-Edward-Sulston |série=National Portrait Gallery London}}.</ref>.

En 2004, Quinn a reçu la toute première commande pour le [[Quatrième socle de Trafalgar Square|Fourth Plinth]] à [[Trafalgar Square]] à Londres, pour laquelle il a réalisé une sculpture en marbre d'[[Alison Lapper]], une artiste enceinte handicapée<ref>{{article|url=https://www.telegraph.co.uk/news/1456894/Marc-Quinn-wins-Trafalgar-fourth-plinth.html | titre = Marc Quinn wins Trafalgar fourth plinth|date=15 mars 2004|périodique=[[The Daily Telegraph]]}}.</ref>.

En 2006, le [[Musée d'Art contemporain de Rome|Museo di arte contemporanea di Roma (MACRO)]] a présenté les œuvres de Marc Quinn dans une exposition solo consacrée à sa récente sculpture figurative<ref>{{Lien web |titre=Archive: Marc Quinn, 23 June - 30 October 2006 |url=https://www.museomacro.it/mostra/marc-quinn-000 |série=Museo d'arte Contemporanea Roma|date= }}.</ref>. En 2009, la [[Fondation Beyeler]] a présenté une exposition solo de la série toujours en cours (en 2019) ''Self'' de Marc Quinn '','' comprenant toutes les sculptures de 1991 à 2006<ref>{{Lien web |titre=Marc Quinn, Selfs 1991 - 2006, 8 June - 17 July 2009 |url=https://www.fondationbeyeler.ch/en/exhibitions/past-exhibitions/marc-quinn-selfs/ | série=Fondation Beyeler|date= }}.</ref>.

En 2012, Quinn a été chargé de produire une œuvre monumentale pour la cérémonie d'ouverture des [[Jeux paralympiques]] aux [[Jeux olympiques d'été de 2012|Jeux olympiques de Londres 2012]], pour laquelle il a réalisé ''Breath'', une sculpture monumentale d'Alison Lapper gonflée par des pompes à air<ref>{{Lien web |titre=Alison Lapper MBE, Artist / Presenter, About |url=http://www.alilapper.com/about |série=Alison Lapper MBE official|date= }}.</ref>.

En 2013, Quinn présente une exposition personnelle à l'occasion de la {{55e|[[Biennale de Venise|Biennale]]}} de l'art de [[Biennale de Venise|Venise]] à la [[Fondation Cini|Fondazione Giorgio Cini]] de Venise, organisée par [[Germano Celant]]<ref>{{Lien web |titre=Exhibitions: 29 May - 29 September 2013, Marc Quinn, Venice, Island of San Giorgio Maggiore |url=http://www.cini.it/en/events/marc-quinn-2 |série=Fondazione Giorgio Cini|date= }}.</ref>

La première monographie de Quinn, ''Memory Box'', de [[Germano Celant]] a été publiée en 2013<ref>{{Lien web |titre=Marc Quinn: Memory Box |url=http://www.skira.net/en/books/marc-quinn |série=Skira|date= }}.</ref>. Un documentaire long métrage sur la vie et l'œuvre de Quinn, ''Making Waves'', a été publié en 2014, produit et réalisé par Gerry Fox<ref>{{Lien web |titre=Marc Quinn: Making Waves |url=http://film.britishcouncil.org/marc-quinn-a-making-waves |série=British Council|date= }}.</ref>. La [[Somerset House]] de Londres a présenté une exposition personnelle de Quinn en 2015, consacrée aux sculptures récentes<ref>{{Lien web |titre=Marc Quinn: Frozen Waves, Broken Sublimes |url=https://www.somersethouse.org.uk/whats-on/marc-quinn-frozen-waves-broken-sublimes |série=Somerset House|date= }}.</ref>.

En 2017, Marc Quinn organisé une grande exposition au [[Sir John Soane's Museum]] à Londres. L'exposition était la première d'une nouvelle série de collaborations avec des artistes, des designers et des architectes contemporains, qui, inspirés par l'esprit de [[John Soane|Sir John Soane]], cherchaient à donner vie à la collection de manière innovante<ref>{{Lien web |titre=Exhibitions, Marc Quinn: Drawn from Life |url=http://www.soane.org/whats-on/exhibitions/marc-quinn-drawn-life |série=Sir John Soane's Museum|date= }}.</ref>.

== Œuvre ==
Les premiers travaux de Quinn concernaient les questions de corporalité, de dégradation et de préservation. Il a expérimenté des matériaux organiques et dégradables, notamment du pain, du sang, du plomb, des fleurs et des sculptures et installations produisant de l'ADN, notamment ''Bread Sculptures'' (1988), ''Self'' (1991), ''Emotional Detox'' (1995), ''Garden'' (2000) et ''DNA DNA of John. Sulston'' (2001). Dans les années 2000, il a commencé à s'intéresser à l'utilisation du marbre, du bronze et du béton. L'artiste a exploré le corps et ses extrêmes à travers le prisme de matériaux classiques et urbains ; Les œuvres comprenaient ''The Complete Marbles'' (1999 - 2005), ''Alison Lapper Pregnan'' (2004), ''Evolution'' (2005 - 2009) et ''Planet'' (2008). Depuis 2010, il travaille avec les métaux, y compris l'acier inoxydable, l'aluminium, les graffitis, les détritus de bord de mer, les tapisseries et les peintures, comme le montrent ''The History Paintings'' (2009 – présent) et ''The Toxic Sublime'' (2014 – présent).

== Premières œuvres : 1991 - 2000 ==

=== ''Self'', 1991 - présent ===
La première œuvre de Marc Quinn à acquérir une renommée internationale est ''Self'', qui a été exposée en 1991, à l'âge de {{nobr|27 ans}}. ''Self'' (1991) est un autoportrait formé par une coulée congelée de dix pintes du sang de l'artiste. C'est un ''{{langue|en|work in progress}}'' ou travail toujours en cours (en 2019), où l'artiste se présente tous les cinq ans à travers une nouvelle distribution avec du sang neuf. Les œuvres d'art sont placées dans des boîtes congélateurs. Cela met en évidence la nature des travaux qui est la dépendance.

''Self'' (2006) appartient à la [[National Portrait Gallery (Royaume-Uni)|National Portrait Gallery]], Londres<ref>{{Lien web|langue=en|titre=Marc Quinn ('Self') |url=https://www.npg.org.uk/collections/search/portrait/mw138260/Marc-Quinn-Self |site=National Portrait Gallery London|date=}}.</ref>.

=== ''Emotional Detox'', 1995 ===
En 1995, Quinn cesse de boire. ''Emotional Detox'', une série de sept sculptures en plomb et moulées à partir du corps de l'artiste sont créées à cette époque. Inspiré par l'iconographie traditionnelle des sept péchés capitaux, le corps de Quinn est déchiré et reconfiguré dans chaque sculpture, reflétant la désintoxication comme une bataille physique et psychologique.

''Emotional Detox'' est exposé à la [[Tate Britain]] à Londres en 1995<ref>{{Lien web|langue=en|titre=Tate Britain, Exhibition, Art Now: Marc Quinn: Emotional Detox Emotiona, 4 July - 20 August 1995 |url=https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/art-now-marc-quinn-emotional-detox|éditeur=[[Tate Modern]]}}.</ref>, au [[Musée de Groningue|Groninger Museum]] aux Pays-Bas en 2000<ref>{{Lien web |langue=en|titre=Emotional Detox: The Seven Deadly Sins V, Marc Quinn | url=http://www.groningermuseum.nl/maqu-ed7v | éditeur=Groninger Museum|date=|archive-url=https://web.archive.org/web/20180911191606/http://www.groningermuseum.nl/maqu-ed7v |archive-date=11 septembre 2018 |brisé le=yes }}.</ref>, et au [[Stedelijk Museum Amsterdam|Stedelijk Museum]] à Amsterdam en 2015.

=== ''Jardin'' (2000) ===
[[Fichier:Eternal_Spring-_Sunflowers_II.jpg|gauche|vignette|'Eternal Spring - Sunflowers II', tournesols conservés au frais dans de l'huile de silicone liquide.]]
En 2000, à la [[Fondation Prada|Fondazione Prada]], à Milan, il présente une exposition personnelle consacrée à ses œuvres les plus ambitieuses, portant sur la matière organique. ''Garden'' est une sculpture de 12 mètres de long et de trois mètres de haut dans laquelle des milliers de fleurs sont gelées dans du silicium (appartenant maintenant à la collection de la [[Fondation Prada|Fondazione Prada]]). Les fleurs de la sculpture ne peuvent jamais fleurir à la même époque de l'année ou dans les mêmes parties du monde.

== Travaux notables : 2000 - 2010 ==

=== ''Portrait de John E. Sulston'' (2001) ===
Son [[portrait]] de [[John Sulston|John E. Sulston]], lauréat du prix Nobel en 2002 pour le séquençage du génome humain dans le cadre [[Projet génome humain|du projet du génome humain]]<ref>{{en}} [http://www.sanger.ac.uk/about/press/2002/021007.html ''Wellcome Trust Sanger Institute website''], {{date-|7 octobre 2002}}, consulté le {{date-|2 janvier 2010}}.</ref> trouve dans la [[National Portrait Gallery (Royaume-Uni)|National Portrait Gallery]]. Il s'agit d'une bactérie contenant l'[[Acide désoxyribonucléique|ADN]] de Sulston en gelée d'[[Agar-agar|agar]]. « Le portrait a été réalisé selon nos méthodes standard de clonage d'ADN », écrit Sulston. « Mon ADN a été divisé au hasard en segments et traité de manière à pouvoir être répliqué dans une bactérie. Les bactéries contenant les segments d'ADN ont été réparties sur de la gelée d'agar dans la plaque que vous voyez dans le portrait. »<ref>{{en}} Jonathan Jones, [https://www.theguardian.com/culture/2001/sep/22/art John Sulston, Marc Quinn (2001)], ''[[The Guardian]]'', {{date-|22 septembre 2001}}, consulté le {{date-|2 janvier 2010}}.</ref>

=== ''Alison Lapper, Le quatrième socle'' (2005-2007) ===
Quinn a réalisé une série de sculptures en marbre représentant des personnes nées avec des membres disparus ou [[Amputation|amputées]]. Cela a culminé dans sa statue en marbre de 15 tonnes représentant Alison Lapper, une artiste née sans bras et avec des jambes très courtes, qui a été exposée sur le [[Quatrième socle de Trafalgar Square|quatrième socle]] de [[Trafalgar Square]], à Londres, de septembre 2005 à octobre 2007<ref>{{en}} [http://news.bbc.co.uk/1/hi/england/london/4247000.stm BBC report on ''Alison Lapper Pregnant''], ''[[BBC News]]''.</ref>. Le socle est utilisé pour des expositions rotatives de sculptures.) Dans ''Disability Studies Quarterly'', Ann Millett écrit : {{ citation |Le travail a été vivement critiqué pour avoir capitalisé la valeur choquante de l'invalidité, ainsi que pour ses valeurs sociales progressives. ''Alison Lapper Pregnant'' et la controverse qui l'entoure met en avant les questions relatives au handicap à la pointe des débats actuels dans l'art contemporain}}<ref>{{en}} Ann Millett, [http://www.dsq-sds.org/article/view/122/122 ''Sculpting Body Ideals: Alison Lapper Pregnant and the Public Display of Disability''], ''Disability Studies Quarterly'', 2008, 28(3), consulté le {{date-|2 janvier 2010}}.</ref>.

Une grande reproduction de la sculpture a été utilisée comme élément central de la cérémonie d'ouverture des Jeux paralympiques d'été de 2012<ref>{{article|url=https://www.telegraph.co.uk/sport/olympics/paralympic-sport/9507553/Paralympics-2012-a-stirring-journey-to-enlightenment.html |titre=Paralympics 2012: a stirring journey to enlightenment |auteur=Gordon Rayner | journal=Daily Telegraph|langue=en |date=29 août 2012 |consulté le=1 septembre 2012 }}.</ref>{{,}}<ref>{{article|langue=en|url=http://www.artlyst.com/articles/marc-quinn-alison-lapper-sculpture-thrills-paralympic-spectators |titre=Marc Quinn Alison Lapper Sculpture Thrills Paralympic Spectators | périodique=ArtLyst |date=30 août 2012 |consulté le=1 septembre 2012}}.</ref>.

=== ''Sirène'' (2008) ===
[[Fichier:Chatsworth_Gardens_-_geograph.org.uk_-_597323.jpg|vignette|''Mythe (Sphinx)'', [[Chatsworth House]].]]
Depuis 2006, Marc Quinn a réalisé de nombreuses études sur le mannequin [[Kate Moss]]. En avril 2006, ''Sphinx'', une sculpture de [[Kate Moss]] de Quinn a été dévoilée<ref>{{en}} [http://news.bbc.co.uk/1/hi/entertainment/4906004.stm 'Model Moss cast in bronze statue'], ''BBC News'', {{date-|13 avril 2006}}, consulté le {{date-|16 janvier 2010}}.</ref>. La sculpture montre Moss dans une position de [[yoga]] avec ses chevilles et ses bras derrière ses oreilles. Cette œuvre a abouti à une exposition à la Galerie Mary Boone à New York en mai 2007. La sculpture est exposée en permanence à Folketeatret à [[Oslo]], en [[Norvège]]<ref>{{lien brisé|url=http://theartnewspaper.com/articles/Collector-plans-sculpture-park-to-celebrate-women%20/20923|titre=''theartnewspaper.com''}}  <!-- {{Lien brisé|date=décembre 2017}} {{ lien brisé |  url = http://theartnewspaper.com/articles/Collector-plans-sculpture-park-to-celebrate-women | titre  =  ''theartnewspaper.com''}}  {{Lien brisé|date=décembre 2017}}  -->.</ref>.

En août 2008, Quinn a dévoilé une autre sculpture de [[Kate Moss]] en [[or]] massif 18 [[Titre (métal)|carats]], intitulée ''Siren'', exposée au British Museum de Londres. La sculpture grandeur nature a été présentée comme {{  citation  |la plus grande statue en or depuis l'[[Égypte antique|Égypte ancienne]]}}.

== Travaux notables : 2010 - présent ==
[[Fichier:Iserlohn-Seilersee6-Asio.JPG|vignette| Une sculpture en orchidée de Marc Quinn sur le Seilersee à [[Iserlohn]] .]]
En mai 2010, Quinn a dévoilé une série de nouvelles sculptures à la galerie [[White Cube|White Cube de]] Londres, notamment ''The Ecstatic Autogenesis de Pamela'', basée sur l'actrice [[Pamela Anderson]] et ''Chelsea Charms'', basée sur le modèle pornographique [[Chelsea Charms]]<ref>{{en}} Simon Hattenstone and Marc Quinn, [https://www.theguardian.com/artanddesign/2010/may/01/marc-quinn-interview ''Marc Quinn: Just Don't Call It a Freak Show''], ''The Guardian'', {{date-|10 mai 2010}}.</ref>.

Les nouveaux modèles de Quinn incluent « Catman » Dennis Avner (qui a été tatoué pour ressembler à un chat) et des personnes [[Transidentité|trans]] telles que [[Thomas Beatie]], [[Buck Angel]] et [[Allanah Starr]]. La sculpture ''Buck and Allanah'' représente les deux personnalités nues, la main dans la main, dans une pose rappelant celle d'Adam et Eve. La sculpture de Thomas Beatie le représente pendant une grossesse à terme, inclinant la tête et berçant son abdomen à deux mains.

L'exposition comprenait également une nouvelle série de peintures de fleurs exécutées en couleurs inversées et deux grandes sculptures d'[[Orchidaceae|orchidées]] en bronze peint en blanc, installées à Hoxton Square, en face de la galerie.

=== ''The Toxic Sublime'' (2015) ===
En 2015, Marc Quinn inaugure une exposition sur son nouveau travail à [[White Cube]] Bermondsey, intitulée ''The Toxic Sublime''. Il présente de nouveaux travaux explorant l'impact écologique de l'homme sur la nature. Les ''Toxic Sublimes'' sont des paysages marins tridimensionnels déformés. À côté de ces peintures, une nouvelle série de sculptures en acier inoxydable, dont une de {{nobr|7,5 mètres}} de long, fait partie d'un ensemble intitulé ''Frozen Waves''. Les sculptures proviennent du cœur des coquillages, érodées par l'action infinie des vagues.

=== ''All About Love'' (2016-2017) ===
En 2017, une exposition solo est présentée à Quinn au [[Sir John Soane's Museum|musée Sir John Soane]] à Londres. La série ''All About Love est'' une exposition de douze sculptures, représentant la sculpture de l'amour à travers l'expression de sculptures fragmentées classiques. Créées en collaboration avec son partenaire d'alors, les sculptures représentant les deux personnes s'embrassant sont des œuvres faisant écho à des sculptures de nombreuses périodes, de la [[Renaissance]] à [[Auguste Rodin]].

=== ''A Surge of Power (Jen Reid) 2020'' (2020) ===

Lors des [[Manifestations et émeutes de mai-juin 2020 aux États-Unis|protestations consécutives à la mort de George Floyd]], la statue du marchand d'esclaves [[Edward Colston]] est renversée et jetée dans un canal à [[Bristol (Royaume-Uni)|Bristol]] ([[Angleterre]], [[Royaume-Uni]]) par des manifestants antiracistes, le {{date-|7 juin 2020}}<ref name=":0">{{Lien web |langue=fr|auteur institutionnel=[[Agence France-Presse|AFP]]|titre=À Bristol, la statue d'un marchand d'esclaves remplacée par celle d'une manifestante antiraciste |url=https://www.france24.com/fr/20200715-%C3%A0-bristol-la-statue-d-un-marchand-d-esclaves-remplac%C3%A9e-par-celle-d-une-manifestante-antiraciste|éditeur=[[France 24]]|date=15 juillet 2020 |consulté le=16 juillet 2020}}.</ref>. Après cela, une manifestante, Jen Reid, est prise en photo sur le socle, le poing levé<ref name=":0" />. La statue sera ensuite repêchée mais pas réinstallée. Le 15 juillet suivant, Marc Quinn installe, sans l'autorisation de la ville, ''{{Lien|langue=en|trad=A Surge of Power (Jen Reid) 2020|fr=A Surge of Power (Jen Reid) 2020|texte=}}'' sur le socle laissé vide, souvent simplement désignée comme ''A Surge of Power'' (« Une montée en puissance »)<ref name=":0" />. Il s'agit d'une sculpture en acier noir représentant Reid dans la pose de la photo<ref name=":0" />. « Jen avait déjà créé la statue lorsqu'elle s'est tenue sur le socle et a levé son bras en l'air. Nous l'avons cristallisée », a expliqué Quinn<ref name=":0" />. L’œuvre est retirée par le conseil municipal le lendemain {{incise|après que Reid ait pu venir l'admirer}} et transférée dans un musée<ref>{{Lien web |langue=anglais |auteur=Archie Bland |titre=Black Lives Matter sculpture of Jen Reid removed from Colston plinth |url=https://www.theguardian.com/world/2020/jul/16/black-lives-matter-sculpture-of-jen-reid-removed-colston--bristol |site=theguardian.com |date=16 juillet 2020 |consulté le=16 juillet 2020}}.</ref>.

== Collections ==
Quinn est représenté dans plusieurs musées à travers le monde, dont la [[Tate Modern]] et la [[National Portrait Gallery (Royaume-Uni)|National Portrait Gallery]] à [[Londres]], le [[Musée national d'Art moderne]] à [[Paris]], le [[Stedelijk Museum Amsterdam|Stedelijk Museum]] à [[Amsterdam]], le [[Musée d'Art contemporain Astrup-Fearnley]] à [[Oslo]], le [[Musée Berardo|Berardo Collection Museum]] à [[Lisbonne]], le [[Musée d'art contemporain de Montréal]] et, à [[New York]], le [[Museum of Modern Art|Musée d'art moderne]] et le  [[Metropolitan Museum of Art]]<ref>{{en}} [http://www.artcyclopedia.com/artists/quinn_marc.html Marc Quinn], sur ''[[Artcyclopedia |artcyclopedia.com]]''.</ref>{{,}}<ref>{{en}} [http://www.artfacts.net/de/kuenstler/marc-quinn-3529/profil.html Marc Quinn], sur ''artfacts.net''.</ref>.

== Ventes aux enchères caritatives ==
Marc Quinn a participé à de nombreuses ventes aux enchères caritatives depuis 2010. Une de ses photographies a été offerte à Crisis, une organisation caritative britannique œuvrant pour les sans-abri, en collaboration avec ''[[Vogue]]'', et vendue aux enchères chez [[Christie's]] en 2010<ref>{{article|url=https://www.telegraph.co.uk/culture/culturepicturegalleries/7586127/A-Positive-View-auction-of-photographs-to-raise-funds-for-homeless-charity-Crisis.html?image=10 | titre ='A Positive View: auction of photographs to raise funds for homeless charity Crisis'|date=2010|langue=en| périodique= [[The Daily Telegraph]]}}.</ref>. En 2013, Quinn a fait don de son œuvre ''We Share Our Chemistry with the Stars XX200'' à la [[Mimi Foundation]] qui a organisé une vente aux enchères caritative chez [[Sotheby's]] pour soutenir sa lutte contre le cancer<ref>{{Lien web|langue=en| titre = 'Mimi Foundation: The Power of Love' |url=http://www.sothebys.com/en/auctions/2013/the-mimi-foundation-charity-auction-l13029.html |série=Sotheby's |date=16 octobre 2013 }}.</ref>. Quinn a fait don de ''The Eye of History'' pour la vente aux enchères caritative organisée pour {{lien | langue=en | trad=Peace One Day|  fr=Peace One Day|  texte=Peace One Day}} chez [[Bonhams]] par [[Jake et Dinos Chapman|Jake Chapman]], en 2014 et 2015<ref>{{Lien web|langue=en|titre='Peace One Day: Works for Charity by Leading Contemporary Artists' |url=https://www.bonhams.com/press_release/18438/ |site=www.bonhams.com|date= }}.</ref>.

== Notes et références ==
{{Références}}

== Liens externes ==
{{liens}}

== Crédit d'auteurs ==
{{Traduction/Référence|en|Marc Quinn|899668416}}

{{Palette|Young British Artists}}
{{Portail|sculpture|peinture|photographie|art contemporain|Royaume-Uni}}

{{DEFAULTSORT:Quinn, Marc}}
[[Catégorie:Naissance à Londres au XXe siècle]]
[[Catégorie:Plasticien britannique contemporain]]
[[Catégorie:Sculpteur britannique]]
[[Catégorie:Photographe britannique]]
[[Catégorie:Artiste contemporain britannique]]
[[Catégorie:Artiste conceptuel britannique]]
[[Catégorie:Artiste britannique d'installation]]
[[Catégorie:Young British Artists]]
[[Catégorie:Naissance en janvier 1964]]

title: Biographie

Naissance: 8 janvier 1964 · Londres (Royaume-Uni)

Nationalité: Britannique

Formation: École alsacienne

Activité: Artiste

Conjoint: Georgia Byng (jusqu'en 2014)

Parentèle: Tiger Chadwick (d) (belle-fille)

title: Autres informations

Mouvements: Art contemporain, Young British Artists

Genres artistiques: Nature morte, art abstrait, art figuratif

Site web: (en) www.marcquinn.com


text:
# Service en porcelaine d'époque rococo
Les services en porcelaine produits pendant la période rococo, correspondant à peu près au règne de Louis XV de France de 1715 à 1774, comprenaient différentes formes ou moules de plats destinés à être utilisés pour des mets salés et sucrés. Il s'agissait notamment d'assiettes, de plateaux, de soupières, de saucières, de supports à gâteaux, d'epergnes (en), de rafraîchisseurs à vin et à crème glacée, ainsi que d'objets en porcelaine non conçus pour les services de restauration tels que les vases étagères[Quoi ?], les vases à fleurs, les vases pot-pourri, les cuvettes de toilette et les plaques incrustées dans les meubles.

## Fabrication
Deux des fabricants de services en porcelaine rococo les plus célèbres d'Europe étaient la manufacture nationale de Sèvres en France et la manufacture de Meissen en Allemagne. Alors que Sèvres travaillait presque exclusivement à l'époque rococo la porcelaine à pâte tendre, composée d'un mélange translucide d'argile, de verre et de minéraux tels que le feldspath et le Quartz, Meissen fut la première manufacture de porcelaine européenne à produire des porcelaines à pâte dure sur le modèle de la porcelaine importée d'Asie, qui contenait de l'argile, des minéraux et du kaolin, ce qui permettait à l'argile de résister à des températures de cuisson beaucoup plus élevées dans le four, produisant ainsi des plats finis plus opaques et plus résistants que ceux disponibles auparavant sur le marché intérieur.

## Ornementation
Les pièces de vaisselle en pâte molle produites en couleur avaient souvent deux zones de base dans le corps : les couleurs de fond, qui étaient broyées en un mélange qui était mélangé au corps vitreux de la fritte, et les réserves, qui étaient laissées vierges jusqu'à ce qu'elles soient peintes à la main et dorées après la cuisson du plat. Les couleurs de fond populaires comprenaient le bleu céleste, un bleu clair imitant la couleur du ciel, le bleu royal, un bleu foncé imitant le bleu des armoiries royales françaises, ainsi que d'autres couleurs rococo pastel telles que les roses, les verts et les jaunes[réf. incomplète]. En règle générale, les couleurs de fond constituent la majorité des zones de bordure du plat, ponctuées de zones vierges ovales ou rondes appelées réserves. Ces zones blanches au centre et sur les bords du plat formaient l'espace permettant aux artistes de peindre à la main des cartouches, ou des images, souvent calquées sur des motifs allégoriques classiques, sur le moule fini après la cuisson. Enfin, les pièces peintes allaient chez un doreur qui en ornait les bords, ainsi qu'éventuellement les bordures entre les couleurs de fond et les réserves, avec un mélange de feuilles d'or pour aboutir au produit fini. Pour les services plus coûteux, un étui en cuir rembourré était produit pour protéger chaque plat pendant le transport et le stockage[réf. incomplète].

## Plats salés
Le premier plat du repas à l'époque rococo était généralement le plat salé, composé de viandes, de ragoûts, de poissons et de sauces. Les services en porcelaine pour le plat salé comprenaient plusieurs assiettes et plats, ainsi que des plats communs tels que des soupières et des tasses à jus de viande. Les soupières étaient généralement des récipients de forme ovale avec des supports à quatre pieds posés sur des plateaux. La poignée du couvercle de la soupière indiquait souvent la garniture de la viande à l'intérieur. Par exemple, un citron ou une orange sur le couvercle de la soupière indiquait une garniture d'agrumes, tandis qu'un poireau ou un chou de Bruxelles indiquait un ragoût de légumes mélangé à du bœuf ou du chevreuil. À côté de la soupière se trouvait souvent un pot à jus de viande, souvent avec un couvercle rabattable, orné d'une poignée avec des motifs de fruits similaires à ceux de la soupière, réticulée avec un trou pour une cuillère qui était utilisée pour arroser les viandes avec le jus. Les condiments étaient stockés dans des contenants en porcelaine plus petits tels que des salières et des pots à moutarde dont la cartouche ou la couleur de fond indiquait souvent le contenu.

## Plats sucrés
Le service en porcelaine pour les plats sucrés était composé de plusieurs petits plats de service pour gâteaux, poissons[Information douteuse], glaces, bonbons et chocolats, ainsi que de quelques pièces spécialisées telles que des supports à gâteaux, des epergnes (en), des rafraîchisseurs à vin et des refroidisseurs de glaces. Lesepergnes, qui pouvaient être fabriquées en porcelaine ou en métal, comme l'argent, servaient de centre pour la table et étaient une structure arborescente composée d'un support central parfois entouré de branches avec de petites assiettes pour les friandises telles que les petits gâteaux, les bonbons et les chocolats. Les rafraîchisseurs à vin et les refroidisseurs de crème glacée étaient souvent des récipients en forme de cylindre légèrement effilés vers l'intérieur à leur base. Un revêtement en étain contenait la bouteille de vin ou la crème glacée, et une cavité entre la porcelaine et le revêtement permettait à un mélange de sel et de glace de refroidir le contenu à l'intérieur du revêtement[Pas dans la source].

## Utilisation de la porcelaine
Les porcelaines rococo étaient souvent conservées dans une vitrine ou dans l’office d'un maître d’hôtel lorsqu'elles n'étaient pas utilisées. Les pièces étaient transportées dans une cuisine chauffée, où la nourriture était disposée sur la vaisselle, avant d'être envoyées vers la salle à manger ou une autre zone de service, peut-être une chambre à coucher, une salle de bal, un ermitage ou un bâtiment de retraite. Certains palais et maisons rococo disposaient d'équipements spéciaux pour transporter les plats de la cuisine chauffante jusqu'à l'aire de service.
Un monte-charge était un ascenseur mécanique relativement simple, souvent alimenté par une poulie ou un simple mécanisme alimenté à la vapeur, qui transportait les plats de nourriture et autres ustensiles et accessoires depuis le niveau du sol, qui contenait généralement la cuisine chauffante afin que la nourriture puisse être introduite à l'intérieur depuis un cuisine extérieure, au niveau de la zone de service, où les domestiques servaient ensuite les plats aux participants dans la salle à manger.
Un système de « voleurs », ainsi nommés parce qu'ils pouvaient commettre un vol des plats de nourriture de la table à manger à la cuisine chauffante en dessous, fonctionnait de la même manière qu'un monte-plats, mais au lieu de transporter les plats de nourriture dans une armoire à l'écart de la zone de service d'où le les plats étaient ensuite distribués par les domestiques aux participants au repas, chaque service à table avait une zone creuse à l'intérieur de la table permettant de placer un ascenseur à l'intérieur de la table devant chaque siège. Sur la surface supérieure de chacun de ces ascenseurs au sein de la table, connue sous le nom de voleur, un petit tableau et un morceau de craie seraient placés pour permettre à chaque participant au repas d'écrire ses demandes de nourriture à partir du menu. Les voleurs étaient ensuite descendus de l'étage inférieur jusqu'au niveau de la cuisine chauffante, où les domestiques lisaient les commandes de menu écrites sur les tableaux, préparaient la nourriture dans des assiettes, les déposaient sur les voleurs et les remontaient jusqu'au niveau du sol. niveau de la table à l'étage supérieur. Cela évitait le besoin de domestiques dans la salle à manger ou dans une autre zone de service, ce qui pourrait être considéré comme bénéfique si les participants au repas souhaitaient une plus grande intimité, en particulier si des informations classifiées étaient discutées.[réf. nécessaire]
La vaisselle sale de la salle à manger était généralement ensuite envoyée à l'arrière-cuisine ou à la cuisine de préparation, où elle était lavée, avant d’être replacée dans la vitrine des porcelaines ou dans le garde-manger du maître d’hôtel. Parfois, la vaisselle de porcelaine appartenant à un palais, un château ou une maison était insuffisante pour servir un grand nombre d'invités lors d'un événement spécial. Dans ce cas, certains palais estampillaient leurs plats d'une marque spécifique avant de les prêter au lieu où devait se dérouler l'événement. Les marques du palais aidaient à déterminer où restituer chaque pièce une fois l'événement terminé[réf. incomplète].

wikiname: frwiki

title: Service en porcelaine d'époque rococo

in_language: fr

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Les '''services en porcelaine produits pendant la période rococo''', correspondant à peu près au règne de [[Louis XV]] de France de 1715 à 1774, comprenaient différentes formes ou moules de plats destinés à être utilisés pour des mets salés et sucrés. Il s'agissait notamment d'assiettes, de plateaux, de soupières, de saucières, de supports à gâteaux, d'{{Lien|langue=en|fr=Epergne|texte=''epergnes''}}, de rafraîchisseurs à vin et à crème glacée, ainsi que d'objets en porcelaine non conçus pour les services de restauration tels que les vases {{quoi|étagères}}, les vases à fleurs, les vases pot-pourri, les cuvettes de toilette et les plaques incrustées dans les meubles.

== Fabrication ==
Deux des fabricants de services en porcelaine [[rococo]] les plus célèbres d'Europe étaient la [[Sèvres - Manufacture et Musée nationaux#Manufacture de porcelaine de Sèvres|manufacture nationale de Sèvres]] en [[France]] et la [[Porcelaine de Saxe|manufacture de Meissen]] en [[Allemagne]]. Alors que Sèvres travaillait presque exclusivement à l'époque rococo la [[porcelaine tendre|porcelaine à pâte tendre]], composée d'un mélange translucide d'argile, de verre et de minéraux tels que le [[feldspath]] et le [[quartz (minéral)|Quartz]], Meissen fut la première manufacture de porcelaine européenne à produire des [[porcelaine dure|porcelaines à pâte dure]] sur le modèle de la porcelaine importée d'Asie, qui contenait de l'argile, des minéraux et du [[kaolin]], ce qui permettait à l'argile de résister à des températures de cuisson beaucoup plus élevées dans le four, produisant ainsi des plats finis plus opaques et plus résistants que ceux disponibles auparavant sur le marché intérieur<ref>{{lien web|langue=en |titre=Paste |url=https://www.thefrenchporcelainsociety.com/about-us/paste/ |site=The French Porcelain Society |consulté le=11 juillet 2024 }}.</ref>.

== Ornementation ==
[[Fichier:Tasse couverte (Louvre, OA 7211).jpg|vignette|Tasse couverte en porcelaine de Sèvres, 1758. [[Musée du Louvre]].]]
Les pièces de vaisselle en pâte molle produites en couleur avaient souvent deux zones de base dans le corps : les couleurs de fond, qui étaient broyées en un mélange qui était mélangé au corps vitreux de la [[fritte]], et les réserves, qui étaient laissées vierges jusqu'à ce qu'elles soient peintes à la main et dorées après la cuisson du plat. Les couleurs de fond populaires comprenaient le bleu céleste, un bleu clair imitant la couleur du ciel, le bleu royal, un bleu foncé imitant le bleu des armoiries royales françaises, ainsi que d'autres couleurs rococo pastel telles que les roses, les verts et les jaunes{{refinc|<ref>{{lien web|titre=Meissen vase |url=https://americanhistory.si.edu/ |site=National Museum of American History }}.</ref>}}. En règle générale, les couleurs de fond constituent la majorité des zones de bordure du plat, ponctuées de zones vierges ovales ou rondes appelées réserves. Ces zones blanches au centre et sur les bords du plat formaient l'espace permettant aux artistes de peindre à la main des cartouches, ou des images, souvent calquées sur des motifs [[Allégorie|allégoriques]] classiques, sur le moule fini après la cuisson<ref>{{Lien web|langue=en |titre=Ground colors |url=https://www.thefrenchporcelainsociety.com/about-us/ground-colors |site=The French Porcelain Society |consulté le=11 juillet 2024 }}.</ref>. Enfin, les pièces peintes allaient chez un doreur qui en ornait les bords, ainsi qu'éventuellement les bordures entre les couleurs de fond et les réserves, avec un mélange de feuilles d'or pour aboutir au produit fini<ref>{{lien web|langue=en | titre= Gilding | url=https://www.thefrenchporcelainsociety.com/about-us/gilding/ |site=The French Porcelain Society |consulté le=11 juillet 2024}}.</ref>. Pour les services plus coûteux, un étui en cuir rembourré était produit pour protéger chaque plat pendant le transport et le stockage{{refinc|<ref>{{lien web|titre=Gilding and Decoration |url=https://www.rct.uk/royal-collection-trust-0 |site=Royal Collection Trust }}.</ref>}}.

== Plats salés ==
Le premier plat du repas à l'époque rococo était généralement le plat salé, composé de viandes, de ragoûts, de poissons et de sauces. Les services en porcelaine pour le plat salé comprenaient plusieurs assiettes et plats, ainsi que des plats communs tels que des soupières et des tasses à jus de viande. Les soupières étaient généralement des récipients de forme ovale avec des supports à quatre pieds posés sur des plateaux. La poignée du couvercle de la soupière indiquait souvent la garniture de la viande à l'intérieur. Par exemple, un citron ou une orange sur le couvercle de la soupière indiquait une garniture d'agrumes, tandis qu'un poireau ou un chou de Bruxelles indiquait un ragoût de légumes mélangé à du bœuf ou du chevreuil. À côté de la soupière se trouvait souvent un pot à jus de viande, souvent avec un couvercle rabattable, orné d'une poignée avec des motifs de fruits similaires à ceux de la soupière, réticulée avec un trou pour une cuillère qui était utilisée pour arroser les viandes avec le jus. Les [[condiment]]s étaient stockés dans des contenants en porcelaine plus petits tels que des salières et des pots à moutarde dont la cartouche ou la couleur de fond indiquait souvent le contenu.

== Plats sucrés ==
Le service en porcelaine pour les plats sucrés était composé de plusieurs petits plats de service pour gâteaux, {{douteux|poissons}}, glaces, bonbons et chocolats, ainsi que de quelques pièces spécialisées telles que des supports à gâteaux, des {{Lien|langue=en|fr=Epergne|texte=''epergnes''}}, des rafraîchisseurs à vin et des refroidisseurs de glaces. Les''epergnes'', qui pouvaient être fabriquées en porcelaine ou en métal, comme l'argent, servaient de centre pour la table et étaient une structure arborescente composée d'un support central parfois entouré de branches avec de petites assiettes pour les friandises telles que les petits gâteaux, les bonbons et les chocolats<ref>{{lien web|langue=en |url originale=http://www.thc.texas.gov/blog/artifact-spotlight-epergne-ages%E2%80%94-rayburn-family-centerpiece  |auteur= Margo McCutcheon |date=7 février 2021 |url=https://archive.wikiwix.com/cache/index2.php?url=http%3A%2F%2Fwww.thc.texas.gov%2Fblog%2Fartifact-spotlight-epergne-ages%25E2%2580%2594-rayburn-family-centerpiece#federation=archive.wikiwix.com&tab=url |titre=Artifact Spotlight: An Epergne for the Ages — The Rayburn Family Centerpiece  |site=Texas Historical Commission  }}.</ref>. Les rafraîchisseurs à vin et les refroidisseurs de crème glacée étaient souvent des récipients en forme de cylindre légèrement effilés vers l'intérieur à leur base<ref>{{lien web|langue=en |url=https://www.metmuseum.org/art/collection/search/206473 |site=Met Museum of Art |titre=Wine Cooler (Seau à demi-bouteille) (one of two) (part of a service) |consulté le=11 juillet 2024 }}.</ref>. Un revêtement en étain contenait la bouteille de vin ou la crème glacée, et une cavité entre la porcelaine et le revêtement permettait à un mélange de sel et de glace de refroidir le contenu à l'intérieur du revêtement{{pas dans la source|<ref>{{lien web|langue=en |url=https://dia.org/search?keys=Ice%20Cream%20Cooler |titre=Ice Cream Cooler, circa 1767 |site=Detroit Institute of Arts |consulté le=11 juillet 2024 }}.</ref>}}.

== Utilisation de la porcelaine ==
{{Section à sourcer|date=juillet 2024}}
Les porcelaines rococo étaient souvent conservées dans une vitrine ou dans l’office d'un maître d’hôtel lorsqu'elles n'étaient pas utilisées. Les pièces étaient transportées dans une cuisine chauffée, où la nourriture était disposée sur la vaisselle, avant d'être envoyées vers la salle à manger ou une autre zone de service, peut-être une chambre à coucher, une salle de bal, un ermitage ou un bâtiment de retraite. Certains palais et maisons rococo disposaient d'équipements spéciaux pour transporter les plats de la cuisine chauffante jusqu'à l'aire de service.

Un monte-charge était un ascenseur mécanique relativement simple, souvent alimenté par une poulie ou un simple mécanisme alimenté à la vapeur, qui transportait les plats de nourriture et autres ustensiles et accessoires depuis le niveau du sol, qui contenait généralement la cuisine chauffante afin que la nourriture puisse être introduite à l'intérieur depuis un cuisine extérieure, au niveau de la zone de service, où les domestiques servaient ensuite les plats aux participants dans la salle à manger.

{{refnec|Un système de « voleurs », ainsi nommés parce qu'ils pouvaient commettre un vol des plats de nourriture de la table à manger à la cuisine chauffante en dessous, fonctionnait de la même manière qu'un monte-plats, mais au lieu de transporter les plats de nourriture dans une armoire à l'écart de la zone de service d'où le les plats étaient ensuite distribués par les domestiques aux participants au repas, chaque service à table avait une zone creuse à l'intérieur de la table permettant de placer un ascenseur à l'intérieur de la table devant chaque siège. Sur la surface supérieure de chacun de ces ascenseurs au sein de la table, connue sous le nom de voleur, un petit tableau et un morceau de craie seraient placés pour permettre à chaque participant au repas d'écrire ses demandes de nourriture à partir du menu. Les voleurs étaient ensuite descendus de l'étage inférieur jusqu'au niveau de la cuisine chauffante, où les domestiques lisaient les commandes de menu écrites sur les tableaux, préparaient la nourriture dans des assiettes, les déposaient sur les voleurs et les remontaient jusqu'au niveau du sol. niveau de la table à l'étage supérieur. Cela évitait le besoin de domestiques dans la salle à manger ou dans une autre zone de service, ce qui pourrait être considéré comme bénéfique si les participants au repas souhaitaient une plus grande intimité, en particulier si des informations classifiées étaient discutées.}}

La vaisselle sale de la salle à manger était généralement ensuite envoyée à l'arrière-cuisine ou à la cuisine de préparation, où elle était lavée, avant d’être replacée dans la vitrine des porcelaines ou dans le garde-manger du maître d’hôtel. Parfois, la vaisselle de porcelaine appartenant à un palais, un château ou une maison était insuffisante pour servir un grand nombre d'invités lors d'un événement spécial. Dans ce cas, certains palais estampillaient leurs plats d'une marque spécifique avant de les prêter au lieu où devait se dérouler l'événement. Les marques du palais aidaient à déterminer où restituer chaque pièce une fois l'événement terminé{{refinc|<ref>{{Ouvrage|langue=en |auteur=Carl Christian Dauterman |titre=Sevres Porcelain: Makers and Marks of the Eighteenth Century |éditeur=The Metropolitan Museum of Art |lieu=New York |date=1986 |lire en ligne=https://books.google.fr/books?id=NCd8ROQS6SIC&pg=PA26&hl=fr&source=gbs_selected_pages&cad=1#v=onepage&q&f=false |isbn=9780870992278}}.</ref>}}.

== Références ==
{{Références}}

{{Portail|céramique}}

[[Catégorie:Porcelaine]]
[[Catégorie:Rococo]]


text:
# The Jackson 5 First National Tour
Tournées par Jackson 5
The Jackson 5 Second National Tour
(1971)
The Jackson 5 First National Tour est la première tournée du groupe The Jackson 5 qui donna une série de quatorze concerts aux États-Unis.
Après des apparitions en 1969 à la télévision avec Diana Ross & The Supremes au Forum près de Los Angeles et avec Yvonne Fair à Gary, dans l'Indiana, la tournée débuta à Philadelphie le 2 mai 1970 et se termina le 30 décembre 1970 à Jacksonville.
Lors du concert ayant eu lieu à Daly City, Jerry Butler et Rare Earth ont participé à l'événement (Ike and Tina Turner devaient y être mais Tina Turner a dû se retirer à la dernière minute pour cause de maladie).
Dans son livre (You are not alone : le vrai Michael dans les yeux de son frère), Jermaine Jackson a révélé les coulisses de leur premier concert : « Avant d’arriver à Philadelphie, nous n’étions pas conscients de notre popularité. Évidemment, il y avait tous ces records de vente, ces articles de journaux, les sacs de courriers des fans, et nous étions le premier groupe d’enfants à avoir vendu plus d’un million de disques. Mais jusque là, rien de très concret pour nous, car nous étions cachés, confinés dans notre cocon chez Motown, dans les studios d’enregistrement aux murs sans fenêtres et dans les limousines, qui nous ramenaient à la maison, tard le soir, à moitié endormis. Dans les studios de télévision, nous ne recevions que des applaudissements feutrés. A l’école, rien ne laissait présager la folie à venir. (….) C’est seulement quand nous sommes montés sur scène ce jour-là que la réalité Motown (…) nous a frappés en plein fouet. ».

## Contexte
Afin de promouvoir le concert, Motown avait fait publier une annonce dans le journal local précisant non seulement la date du concert mais également l’heure d'arrivée du groupe à l’aéroport international de Philadelphie le 1er mai, ainsi que leur numéro de vol, provoquant une émeute au moment de leur atterrissage : 3 500 fans en délire ont envahi l’aéroport afin d’apercevoir les frères qui ont du être évacués rapidement en limousine. Motown avait aussi fait envoyer une équipe pour filmer leur arrivée à l’aéroport, le concert et a également filmé les répétitions du concert sous la direction de Suzanne De Passe. Pendant le concert, les scènes d’hystérie se répètent dans le public. À plusieurs reprises, la centaine d’officiers de police présente est obligée de repousser les adolescentes qui essaient d’envahir la scène. Le show est même arrêté lorsque le groupe entame leur titre à succès I Want You Back afin de faire revenir le calme. Michael et ses frères seront ainsi obligés de regagner leur hôtel escortés de motos de police, devant le chahut régnant à la fin du concert.
« Michael était mort de peur, nous autres, on était plutôt impressionnés, mais Mike, lui, il était vraiment terrorisé. « Je ne sais pas si je pourrai faire ça pour toujours », a-t-il dit. « Peut être un petit moment mais pas pour toujours » », révèle Jermaine Jackson dans l'ouvrage Michael Jackson de J. Randy Taraborrelli.

## Fait divers
- Les Jackson 5 se sont produits au Forum d'Inglewood (près de Los Angeles) devant plus de 18 000 personnes. Les filles prennent d'assaut la scène et le concert est arrêté jusqu'à ce qu'elles soient escortées.

Dans une interview, Michael Jackson a raconté la tournée à Soul Magazine : « À San Francisco (Daly City) et à Los Angeles (Inglewood), c'était comme si les murs allaient s'effondrer, avec ces centaines de filles qui arrivaient sur scène toutes ensembles ; mais nous devons aussi nous attendre à partir vite, donc nous sommes prêts à tout arrêter et courir. Jermaine a abandonné sa guitare et est parti en courant en fin de concert au Forum On peut toujours obtenir une nouvelle guitare pour lui, mais ce sera difficile à remplacer. C'est vraiment dommage, car nous ne pouvons pas finir le spectacle de la manière dont on l'a répété. À chaque fois, nous devons partir de scène en courant, et nous ne pouvons même pas remercier le public de la manière dont nous souhaiterions réellement. On doit partir en courant. ».
- Le concert ayant eu lieu au Madison Square Garden à New York a été joué à guichets fermés.
- Les Jackson 5 se sont produits au Olympia Stadium à Détroit le jour même où I'll Be There a occupé la première place dans les charts pop. Les Jackson 5 deviennent ainsi le premier groupe à avoir quatre singles consécutifs n°1[4].
- Certaines chansons issues du programme proviennent des albums Diana Ross Presents The Jackson 5, ABC et Third Album. Le groupe chanté des chansons qui n'avaient pas été enregistrées en studio, telle que Hum a Song (From Your Heart), ou d'autres que le groupe a enregistré mais qui ne sont pas sorties, comme Feelin' Alright ?[5].
- Le groupe a souvent interprété des chansons autres que celles issues du programme. Par exemple, lors du concert à Jacksonville, ils ont joué Darling Dear et JI Want to Take You Higher. Les cinq premières chansons jouées lors des concerts ont toujours été les mêmes, comme indiqué ci-dessous, avec en final Walk On et The Love You Save, sauf lors des trois premiers concerts à Philadelphie, Daly City et Inglewood.

## Programme
1. Stand!
2. I Want You Back
3. ABC
4. Feelin' Alright?
5. Who's Lovin' You
6. I'll Be There
7. Mama's Pearl
8. Zip-a-Dee-Doo-Dah
9. Yesterday
10. Can You Remember
11. There Was a Time
12. It's Your Thing
13. I Found That Girl
14. Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)
15. Walk On (Reproduction instrumentale de Walk On By)
16. The Love You Save

## Liste des concerts
| #  | Date             | Ville        | Pays       | Lieu                             |
| -- | ---------------- | ------------ | ---------- | -------------------------------- |
| 1  | 2 mai 1970       | Philadelphie | États-Unis | Spectrum                         |
| 2  | 19 juin 1970     | Daly City    | États-Unis | Cow Palace                       |
| 3  | 20 juin 1970     | Inglewood    | États-Unis | The Forum                        |
| 4  | 9 octobre 1970   | Boston       | États-Unis | Boston Garden                    |
| 5  | 10 octobre 1970  | Cincinnati   | États-Unis | Cincinnati Gardens               |
| 6  | 11 octobre 1970  | Memphis      | États-Unis | Mid-South Coliseum               |
| 7  | 16 octobre 1970  | New York     | États-Unis | Madison Square Garden            |
| 8  | 17 octobre 1970  | Détroit      | États-Unis | Olympia Stadium                  |
| 9  | 18 octobre 1970  | Chicago      | États-Unis | International Amphitheatre       |
| 10 | 28 novembre 1970 | Rochester    | États-Unis | Rochester Community War Memorial |
| 11 | 27 décembre 1970 | Charlotte    | États-Unis | Charlotte Coliseum               |
| 12 | 28 décembre 1970 | Greensboro   | États-Unis | Greensboro Coliseum              |
| 13 | 29 décembre 1970 | Nashville    | États-Unis | Nashville Municipal              |
| 14 | 30 décembre 1970 | Jacksonville | États-Unis | Jacksonville Veterans            |

## Équipe musicale

### Artistes principaux
- Michael Jackson : chanteur, danseur
- Jackie Jackson : chanteur, danseur, percussionniste
- Tito Jackson : chanteur, danseur, guitariste
- Jermaine Jackson : chanteur, bassiste
- Marlon Jackson : chanteur, danseur, percussionniste
- Johnny Jackson : batterie
- Ronnie Rancifer : claviste

title: The Jackson 5 First National Tour

wikitext:
{{ébauche|tournée}}
{{titre en italique}}
{{Infobox Musique (tournée)
 | nom de la tournée   = The Jackson 5 First National Tour
 | artiste             = [[The Jackson Five|Jackson 5]]
 | image               =
 | légende             =
 | album               = ''[[Diana Ross Presents The Jackson 5]]''
''[[ABC (album)|ABC]]''
''[[Third Album]]''
 | date de départ      = {{date|2|mai|1970|en musique}} à [[Philadelphie]], {{États-Unis}}
 | date de fin         = {{date|30|décembre|1970|en musique}} à [[Jacksonville (Floride)|Jacksonville]], {{États-Unis}}
 | durée               = 7 mois
 | producteur          =
 | titres              = [[#Programme|voir programme]]
 | nombre de concerts  = '''14 au total'''
14 aux États-Unis
 | affluence           =
 | pays visités        = 1
 | site web            =
 | divers              =
 | tournée précédente  =
 | tournée suivante    = ''[[The Jackson 5 Second National Tour]]''
(1971)
}}

'''''The Jackson 5 First National Tour''''' est la première tournée du groupe [[The Jackson 5]] qui donna une série de quatorze concerts aux [[États-Unis]].

Après des apparitions en [[1969 à la télévision|1969]] à la télévision avec [[The Supremes|Diana Ross & The Supremes]] au [[The Forum (Inglewood)|Forum]] près de [[Los Angeles]] et avec [[Yvonne Fair]] à [[Gary (Indiana)|Gary]], dans l'[[Indiana]], la tournée débuta à [[Philadelphie]] le {{date|2|mai|1970|en musique}} et se termina le {{date|30|décembre|1970|en musique}} à [[Jacksonville (Floride)|Jacksonville]]<ref>{{Lien web|langue=en|url=http://www.jackson5abc.com/1969/|titre=The Jackson 5 in 1969|site=jackson5abc.com}}</ref>.

Lors du concert ayant eu lieu à [[Daly City]], [[Jerry Butler]] et [[Rare Earth]] ont participé à l'événement ([[Ike and Tina Turner]] devaient y être mais [[Tina Turner]] a dû se retirer à la dernière minute pour cause de maladie)<ref>{{Lien web|langue=en|url=http://j5collector.blogspot.com/2010/06/j5-at-cow-palace-in-june-1970.html|titre=J5 at the Cow Palace in June 1970|site=j5collector.blogspot.com|date=6 juin 2010}}</ref>.

Dans son livre (''You are not alone : le vrai Michael dans les yeux de son frère''), [[Jermaine Jackson]] a révélé les coulisses de leur premier concert : « Avant d’arriver à Philadelphie, nous n’étions pas conscients de notre popularité. Évidemment, il y avait tous ces records de vente, ces articles de journaux, les sacs de courriers des fans, et nous étions le premier groupe d’enfants à avoir vendu plus d’un million de disques. Mais jusque là, rien de très concret pour nous, car nous étions cachés, confinés dans notre cocon chez Motown, dans les studios d’enregistrement aux murs sans fenêtres et dans les limousines, qui nous ramenaient à la maison, tard le soir, à moitié endormis. Dans les studios de télévision, nous ne recevions que des applaudissements feutrés. A l’école, rien ne laissait présager la folie à venir. (….) C’est seulement quand nous sommes montés sur scène ce jour-là que la réalité Motown (…) nous a frappés en plein fouet. »<ref>{{Lien web|url=http://www.onmjfootsteps.com/archives/2016/08/05/34156586.html|titre=Remember: le premier concert officiel des Jackson 5: le début de la Jacksonmania, le 2 mai 1970.|site=onmjfootsteps.com|date=5 août 2016}}</ref>.

== Contexte ==
Afin de promouvoir le concert, [[Motown]] avait fait publier une annonce dans le journal local précisant non seulement la date du concert mais également l’heure d'arrivée du groupe à l’[[aéroport international de Philadelphie]] le 1{{er}} mai, ainsi que leur numéro de vol, provoquant une émeute au moment de leur atterrissage : {{formatnum:3500}} fans en délire ont envahi l’aéroport afin d’apercevoir les frères qui ont du être évacués rapidement en limousine. Motown avait aussi fait envoyer une équipe pour filmer leur arrivée à l’aéroport, le concert et a également filmé les répétitions du concert sous la direction de [[Suzanne De Passe]]. Pendant le concert, les scènes d’hystérie se répètent dans le public. À plusieurs reprises, la centaine d’officiers de police présente est obligée de repousser les adolescentes qui essaient d’envahir la scène. Le show est même arrêté lorsque le groupe entame leur titre à succès ''[[I Want You Back (chanson des Jackson 5)|I Want You Back]]'' afin de faire revenir le calme. Michael et ses frères seront ainsi obligés de regagner leur hôtel escortés de motos de police, devant le chahut régnant à la fin du concert.

« Michael était mort de peur, nous autres, on était plutôt impressionnés, mais Mike, lui, il était vraiment terrorisé. « Je ne sais pas si je pourrai faire ça pour toujours », a-t-il dit. « Peut être un petit moment mais pas pour toujours » », révèle [[Jermaine Jackson]] dans l'ouvrage ''Michael Jackson'' de [[:en:J._Randy_Taraborrelli|J. Randy Taraborrelli]].

== Fait divers ==
* Les Jackson 5 se sont produits au [[The Forum (Inglewood)|Forum]] d'[[Inglewood (Californie)|Inglewood]] (près de [[Los Angeles]]) devant plus de {{formatnum:18000}} personnes. Les filles prennent d'assaut la scène et le concert est arrêté jusqu'à ce qu'elles soient escortées.

Dans une interview, [[Michael Jackson]] a raconté la tournée à ''Soul Magazine'' : « À [[San Francisco]] ([[Daly City]]) et à [[Los Angeles]] ([[Inglewood (Californie)|Inglewood]]), c'était comme si les murs allaient s'effondrer, avec ces centaines de filles qui arrivaient sur scène toutes ensembles ; mais nous devons aussi nous attendre à partir vite, donc nous sommes prêts à tout arrêter et courir. [[Jermaine Jackson|Jermaine]] a abandonné sa guitare et est parti en courant en fin de concert au [[The Forum (Inglewood)|Forum]] On peut toujours obtenir une nouvelle guitare pour lui, mais ce sera difficile à remplacer. C'est vraiment dommage, car nous ne pouvons pas finir le spectacle de la manière dont on l'a répété. À chaque fois, nous devons partir de scène en courant, et nous ne pouvons même pas remercier le public de la manière dont nous souhaiterions réellement. On doit partir en courant. ».

* Le concert ayant eu lieu au [[Madison Square Garden]] à [[New York]] a été joué à guichets fermés.
* Les [[The Jackson Five|Jackson 5]] se sont produits au [[Olympia Stadium]] à [[Détroit (Michigan)|Détroit]] le jour même où ''[[I'll Be There]]'' a occupé la première place dans les charts pop. Les Jackson 5 deviennent ainsi le premier groupe à avoir quatre singles consécutifs n°1<ref>{{Lien web|langue=en|url=https://www.thejacksons.com/history/the-jackson-5-1970/|titre=History 1970 | The Jacksons | The Official Website|site=thejacksons.com}}</ref>.
* Certaines chansons issues du programme proviennent des albums ''[[Diana Ross Presents The Jackson 5]]'', ''[[ABC (album)|ABC]]'' et ''[[Third Album]]''. Le groupe chanté des chansons qui n'avaient pas été enregistrées en studio, telle que ''Hum a Song (From Your Heart)'', ou d'autres que le groupe a enregistré mais qui ne sont pas sorties, comme ''Feelin' Alright ?''<ref>{{Lien web|langue=en|url=http://j5collector.blogspot.com/2010/09/philly-set-may-2-1970.html|titre=The Philly Set May 2, 1970|site=j5collector.blogspot.com|date=27 septembre 2010}}</ref>.
* Le groupe a souvent interprété des chansons autres que celles issues du programme. Par exemple, lors du concert à [[Jacksonville (Floride)|Jacksonville]], ils ont joué ''Darling Dear'' et ''JI Want to Take You Higher''. Les cinq premières chansons jouées lors des concerts ont toujours été les mêmes, comme indiqué ci-dessous, avec en final ''Walk On'' et ''[[The Love You Save]]'', sauf lors des trois premiers concerts à [[Philadelphie]], [[Daly City]] et [[Inglewood (Californie)|Inglewood]].

== Programme ==
#  ''[[Stand! (chanson)|Stand!]]''
#  ''[[I Want You Back (chanson des Jackson 5)|I Want You Back]]''
#  ''[[ABC (chanson)|ABC]]''
#  ''Feelin' Alright?''
#  ''[[Who's Lovin' You]]''
#  ''[[I'll Be There]]''
#  ''[[Mama's Pearl]]''
#  ''[[Zip-a-Dee-Doo-Dah]]''
#  ''[[Yesterday]]''
#  ''Can You Remember''
#  ''There Was a Time''
#  ''[[It's Your Thing]]''
#  ''I Found That Girl''
#  ''[[Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)]]''
#  ''Walk On'' (Reproduction instrumentale de ''[[Walk On By]]'')
#  ''[[The Love You Save]]''

== Liste des concerts ==
{| class="wikitable" style="text-align:center;"
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! width="200"| Date
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|-
| 1
| {{date-|2 mai 1970}}
| [[Philadelphie]]
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| [[Spectrum (arena)|Spectrum]]
|-
| 2
| {{date-|19 juin 1970}}
| [[Daly City]]
| [[Cow Palace]]
|-
| 3
| {{date-|20 juin 1970}}
| [[Inglewood (Californie)|Inglewood]]
| [[The Forum (Inglewood)|The Forum]]
|-
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| {{date-|9 octobre 1970}}
| [[Boston]]
| [[Boston Garden]]
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| [[Cincinnati Gardens]]
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|-
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| [[Charlotte Coliseum]]
|-
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| [[Greensboro]]
| [[Greensboro Coliseum]]
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| [[Nashville]]
| [[:en:Nashville_Municipal_Auditorium|Nashville Municipal]]
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| 14
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| [[Jacksonville Veterans Memorial Arena|Jacksonville Veterans]]
|}

== Équipe musicale ==
=== Artistes principaux ===
* [[Michael Jackson]] : chanteur, danseur
* [[Jackie Jackson]] : chanteur, danseur, percussionniste
* [[Tito Jackson]] : chanteur, danseur, guitariste
* [[Jermaine Jackson]] : chanteur, bassiste
* [[Marlon Jackson]] : chanteur, danseur, percussionniste
* [[:en:Johnny_Jackson_(musician)|Johnny Jackson]] : batterie
* [[:en:Ronnie_Rancifer|Ronnie Rancifer]] : claviste

== Notes et références ==
{{Références}}

{{Palette|The Jackson 5}}
{{Portail|musique|années 1970}}

{{CLEDETRI:Jackson 5 First National Tour}}
[[Catégorie:Tournée de Michael Jackson]]
[[Catégorie:Famille Jackson]]
[[Catégorie:Tournée de 1970]]

title: Tournée par Jackson 5

Album promu: Diana Ross Presents The Jackson 5 · ABC · Third Album

Date de début: 2 mai 1970 à Philadelphie, États-Unis

Date de fin: 30 décembre 1970 à Jacksonville, États-Unis

Durée: 7 mois

Titres: voir programme

Nb. de concerts: 14 au total · 14 aux États-Unis


text:
# Höfer (Allemagne)
Pour les articles homonymes, voir Höfer.
Höfer est une commune de l'arrondissement de Celle (Land de Basse-Saxe, Allemagne).

## Géographie
Höfer est situé à environ 4 km au sud d'Eschede, à 20 km au nord-est de  Celle et 55 km de Hanovre.
La commune regroupe les quartiers de Höfer, Ohe et Aschenberg.

## Histoire
Pour assurer son salut, le riche clergé obtient Höfer en concession de la part de Henri II du Saint-Empire en 1022.
Un grand incendie ravage le village le 6 décembre 1907.
Durant la Seconde Guerre mondiale, on cache dans la fosse de la mine de Mariaglück des bibliothèques et des archives.

### La mine de sel
À Höfer se trouvent les vestiges de la mine de Mariaglück active jusqu'en 1970 pour récolter de la potasse. En août 2008, la société K+S annonce vouloir remplir le puits abandonné avec des produits à base de tritium radioactif à l'exemple de la mine d'Asse mais aussi de solutions provenant de l'incinération et l'élimination de déchets comprenant des métaux lourds. Une mobilisation d'habitants proteste. En avril 2009, le tribunal de Lunebourg s'oppose au projet,.

## Source, notes et références
1. ↑  Bauchmüller, Michael; Wiegand, Ralf, „Verstrahlte Lauge nach Celle transportiert“, „Süddeutsche Zeitung“, 13. August 2008, S. 5.
2. ↑  www.landgericht-lueneburg.niedersachsen.de.
3. ↑  www.taz.de.

- (de) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en allemand intitulé « Höfer » (voir la liste des auteurs).

title: Höfer (Allemagne)

wikitext:
{{Voir homonymes|Höfer}}
{{Infobox Commune d'Allemagne
 | nom             = Höfer
 | autres noms     =
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 | district        =
 | arr             = [[Arrondissement de Celle]]
 | quartier        =
 | codecomm        = 03 3 51 014
 | mandat maire    =
 | titredumaire    =
 | maire           = Michael Cruse
 | partis          = SPD
 | cp              = 29361
 | immatriculation = CE
 | indicatiftel    = 05145
 | superficie      = 21.87
 | population      = 942
 | année_pop       = 31 déc. 2011
 | altitude        = 61
 | latitude        = 52.681389
 | longitude       = 10.251944
 | weblabel        = www.hoefer-celle.de
}}
'''Höfer''' est une commune de l'[[arrondissement de Celle]] (Land de [[Basse-Saxe]], [[Allemagne]]).

== Géographie ==
Höfer est situé à environ 4 km au sud d'[[Eschede]], à 20 km au nord-est de  [[Celle (Allemagne)|Celle]] et 55 km de [[Hanovre]].

La commune regroupe les quartiers de Höfer, Ohe et Aschenberg.

== Histoire ==
Pour assurer son salut, le riche clergé obtient Höfer en concession de la part de [[Henri II du Saint-Empire]] en 1022.

Un grand incendie ravage le village le {{date-|6 décembre 1907}}.
[[Fichier:Grube Maria Glück in Höfer (Eschede) IMG 0962.jpg|thumb|left|alt=Monument pour la mine de Höfer|Monument pour la mine]]
Durant la [[Seconde Guerre mondiale]], on cache dans la fosse de la mine de Mariaglück des bibliothèques et des archives.

=== La mine de sel ===
À Höfer se trouvent les vestiges de la mine de Mariaglück active jusqu'en 1970 pour récolter de la [[Potasse (minéral)|potasse]]. En {{date-|août 2008}}, la société [[K+S]] annonce vouloir remplir le puits abandonné avec des produits à base de [[tritium]] radioactif à l'exemple de la [[mine d'Asse]]<ref>Bauchmüller, Michael; Wiegand, Ralf, „Verstrahlte Lauge nach Celle transportiert“, „Süddeutsche Zeitung“, 13. August 2008, S. 5.</ref> mais aussi de solutions provenant de l'incinération et l'élimination de déchets comprenant des métaux lourds. Une mobilisation d'habitants proteste. En {{date-|avril 2009}}, le tribunal de [[Lunebourg]] s'oppose au projet<ref>[http://www.landgericht-lueneburg.niedersachsen.de/live/live.php?navigation_id=13828&article_id=58021&_psmand=56 www.landgericht-lueneburg.niedersachsen.de].</ref>{{,}}<ref>[http://www.taz.de/1/archiv/print-archiv/printressorts/digi-artikel/?ressort=na&dig=2009%2F03%2F27%2Fa0013&cHash=6a51ec79ec www.taz.de].</ref>.

== Source, notes et références ==
<references />
{{Traduction/Référence|de|Höfer|111455546}}

{{Autres projets|commons=Category:Höfer}}

{{Portail|Basse-Saxe}}

{{DEFAULTSORT:Hofer}}
[[Catégorie:Commune en Basse-Saxe]]

title: Administration

Pays: Allemagne

Land: Basse-Saxe

Arrondissement · (Landkreis): Arrondissement de Celle

Bourgmestre · (Bürgermeister): Michael Cruse

Partis au pouvoir: SPD

Immatriculation: CE

title: Démographie

Densité: 43 hab./km2

title: Géographie

Coordonnées: 52° 40′ 53″ nord, 10° 15′ 07″ est

title: Liens

Liens: modifier